Habang mabilis na lumago ang telebisyon sa katanyagan sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, maraming tao ang nag-aakalang magdulot ito ng isang krisis sa knock-on para sa industriya ng pelikula. Pagkatapos ng lahat, nangangahulugan ito na ang mga manonood ay hindi na kailangang iwanan ang kanilang mga sofas upang tamasahin ang onscreen entertainment.
Ngunit ang katotohanan ay higit na nakakainis. Ang “Kamatayan ng Sinehan” ay nakagawian na mula pa noong pagpapakilala ng TV, ngunit hindi talaga naganap. Sa halip, ang sinehan ay nakahanap ng mga paraan upang gumana sa bagong kumpetisyon sa pamamagitan ng makabagong teknolohiya, pag -imbento ng aesthetic at pakikipag -ugnay sa mapaghamong mga usapin sa paksa.
Ngayon, ang mga aralin mula sa pagpapakilala ng TV ay nagpapakita kung paano na -navigate ng mga malikhaing industriya ang pagpapakilala ng bagong teknolohiya. At maaaring mag -alok ng ilang kaginhawaan sa mga natatakot na ang teknolohiyang Artipisyal na Intelligence (AI) ay maaaring maging isang knell ng kamatayan para sa mga malikhaing industriya.
Hanggang sa 1938, matagal na bago ang malawakang katanyagan nito, ang kumpanya ng paggawa ng pelikula na Paramount Studios ay naghangad na masira sa telebisyon. Gumawa ito ng makabuluhang pamumuhunan sa Dumont Laboratories, na nagbago sa isang pangunguna sa komersyal na network ng TV.
Ang iba pang mga studio ay sumunod sa suit at nag -eksperimento sa “Live Cinema”. Ito ay isang anyo ng libangan kung saan ang mga imahe ng broadcast, kabilang ang mga kaganapan sa palakasan, ay na -convert sa 35mm film at inaasahang papunta sa mga screen ng sinehan, at ginawa ito sa buong 1940s.
Ang kaso ng “Paramount Decrees” antitrust na inilabas ng Korte Suprema ng Estados Unidos noong 1948 ay natapos ang mga kasanayan sa monopolistic ng mga studio, na huminto sa kanila mula sa pagmamay -ari ng mga kumpanya ng broadcast na pabor sa mga network ng radyo. Inutusan din silang ibenta ang kanilang mga chain chain, na nangangahulugang ang kanilang mga pelikula ay hindi na ginagarantiyahan ang mga pag -screen sa publiko.
Gayunpaman, nagpatuloy silang bumubuo ng mga kumpanya ng paggawa ng telebisyon, kasama ang Columbia na nagtatag ng mga hiyas sa screen noong 1951 at ang Paramount Reinvesting sa ABC Network noong 1952. Noong 1960, ang karamihan ng mga punong-oras na programa sa telebisyon ay ibinigay ng mga kumpanya ng Hollywood Studio. Ang mga malapit na ugnayan na ito ay nagtaguyod ng isang kapwa kapaki -pakinabang na relasyon.
Cross-pollination
Matapos ang break-up ng mga studio, maraming mga tauhan ng studio ang natagpuan ang trabaho sa industriya ng telebisyon. Nagbigay ito ng isang lugar ng pagsasanay para sa mga hinaharap na mga bituin sa sinehan, kasama sina Steven Spielberg, George Clooney at John Travolta. Maaari ring magrenta ang mga Studios ng kanilang mga studio at pasilidad sa mga kumpanya ng paggawa ng telebisyon.
Ang “Star System” (kung saan ang katanyagan ng mga bituin ng pelikula ay palaging hinihimok ang komersyal na potensyal ng sinehan) ay pinuri ngayon ng pagkakalantad ng mga bituin na ito sa mga programa sa telebisyon.
Maraming mga studio ang nagsimulang gumamit ng TV upang mag -anunsyo ng kanilang mga pelikula. Halimbawa, ang mga programa sa Disneyland TV ay nakatulong upang i -advertise ang Disney Studio at ang mga produktong cinematic na naiiba sa telebisyon. At ang mga trailer ng pelikula ay naging isa pang mahalagang conduit para sa advertising sa sinehan. Ang panahon ng blockbuster ng tag-init ay dinala ng Jaws noong 1975 na may advertising ng kumot sa bawat palabas sa TV.
Kapag ang mga maagang iskedyul ng telebisyon ay kulang ng sapat na bagong nilalaman upang punan ang mga airwaves, ang sinehan ng British at murang mga pelikula at serial (isang serye ng mga maikling pelikula na may mga pagtatapos ng talampas; isang maagang progenitor ng serye sa telebisyon) mula sa mas maliit na mga studio ng Hollywood ay napuno ang mga unang iskedyul.
Ang iba pang mga executive ng studio ay napansin na ang kanilang mga katalogo sa likod ng pelikula, na higit sa lahat ay nakaupo na hindi nababago sa mga vaults, ay isang pinansiyal na ginto na maaaring ma -araro pabalik sa paggawa ng pelikula at pag -unlad ng teknolohiya. Ang MGM, na nagmamay -ari ng mga pamagat kasama ang pangmatagalang paboritong The Wizard of Oz, na inilaan ng CBS ang eksklusibong mga karapatan sa screen sa loob ng 20 taon, mula Agosto 1956 US $ 34 milyon (£ 12 milyon) para sa mga pamagat nito, habang si Paramount ay gaganapin para sa US $ 50 milyon (£ 17.8 milyon). Ang mga karapatan sa screening ay naibenta sa mga network ng telebisyon.
Bilang isang resulta, ang telebisyon ay naging pangunahing conduit para sa pagtingin sa pelikula. Kasunod nito, maraming mga pelikula ang nakita sa telebisyon kaysa sa malaking screen. Mayroong 3.4 bilyong view ng pelikula sa UK TV noong 2013 kumpara sa 165 milyong mga admission sa sinehan – ito ay ibinahagi ngayon sa streaming at sa mga serbisyo ng demand. May dapat gawin upang mapanatili ang mga tao na pupunta sa sinehan.
Teknikal at aesthetic na pagbabago
Sa pagtatangka upang mapanatili ang karanasan ng malaking screen, ang widescreen, 3D at multi-track sound system ay ipinakilala sa mga sinehan. Ang paglipat sa pamantayang kulay ng pelikula ay pinabilis, habang ang haba ng pelikula ay nagtangkang maiugnay ang karanasan sa cinematic na may “mataas na kultura” tulad ng teatro at opera, na may mga labis na pag -iingat at intermissions.
Habang marami ang nakikita bilang gimik (tulad ng “Smell-O-Vision” sa Scent of Misteryo, 1960), ang filming ng widescreen ay naging aesthetic na pagpipilian ng mga filmmaker, na gumagawa ng mga epikong canvass at isang alternatibong karanasan sa pagtingin sa maliit na screen ng telebisyon.
Bagaman marami sa mga teknolohiyang ito na napetsahan noong 1920s, ang maliit na screen na kumpetisyon ay nagtulak sa makabagong teknolohiya at aesthetic, at bahagyang pinondohan ng tele-visual na paglilisensya ng kanilang mga pelikula. Sa tabi ng mga makabagong ito, ang nilalaman ng mga pelikula mismo ay nag -alok ng isang maipapakita na alternatibo sa maliit na screen.
Sa huling bahagi ng 1960, ang Hollywood ay mahalagang nasira mula sa self-ipinataw na mga istraktura ng censorial ng code ng produksyon ng hay, na kinokontrol ang lahat mula sa wika hanggang sa magkakaugnay na relasyon. Sa halip, hinihigop ng mga gumagawa ng pelikula ang mga impluwensya ng dokumentaryo, avant-garde at ang French New Wave, bukod sa iba pa, pati na rin ang rock n ‘roll at counterculture na paggalaw upang gumawa ng mga naka-bold at kontrobersyal na mga pelikula, tulad ng Sino ang takot sa Virginia Woolf? (1966) at Madaling Rider (1969).
Ang mga paksa at antas ng sex at karahasan na inilalarawan sa mga pelikulang ito ay hindi maiisip sa loob ng mabigat na regulated na pamilya at industriya ng telebisyon na palakaibigan.
Ang direktor na si Alfred Hitchcock ang pinaka -pagkakaiba sa pagitan ng mga medium. Ginamit niya ang Agile Tele-Visual Working Crew ng kanyang serye sa TV na Alfred Hitchcock Presents (1955) para sa bawal na horror film na psycho noong 1960, na nagmumungkahi na ang dalawang daluyan ay maaaring maiugnay ngunit nahahati din sa nilalaman. Ito, kasama ang mga makabagong aesthetic ay nakatulong upang itaas ang sinehan na artistically na may kaugnayan sa maliit na screen.
At sa gayon ang panahon ng AI ay sumisikat. Ang mga manunulat at aktor na welga ng 2023 ay nagpakita na ang mga malikhaing industriya ay handa na upang labanan ang kanilang kaligtasan. Ang kakayahang umangkop, tulad ng ipinakita ng Hollywood sa buong kasaysayan nito, ay maaari ding maging susi sa patuloy na tagumpay. – rappler.com
Ang kwentong ito ay orihinal na lumitaw sa pag -uusap.
Mark Fryers, lektor sa pelikula at media, ang bukas na unibersidad