Sinaliksik ng Filipino artist na si Wipo ang pagkakakilanlan, abstraction, at ang sarili

Ang Filipino-based Filipino contemporary artist ay kilala sa kanyang multidisciplinary work—pangunahin ang abstraction at photography—na nag-explore ng mga eksistensyal na tema ng memorya, trauma, kamatayan, at pagpapagaling.

Sa simula pa lang, alam na ni Wipo na hindi siya isang cookie-cutter student na nakatutok sa academic achievement. Lumaki noong ’90s, ang kanyang tunay na hilig ay nasa sining at kulturang pop. Ang ilan sa kanyang mga impluwensya sa kultura noong bata pa ay ang mga karakter sa komiks na Venom at Spawn. Kahit noong bata pa siya, nagkaroon na siya ng affinity para sa magaspang at nakakatakot.

BASAHIN: Inanunsyo ng CCP ang mga tatanggap ng 2024 Thirteen Artists Awards

Isinilang noong 1989, si Wipo—legal na kilala bilang Jeff Baligad—ay lumaki sa isang komportableng middle-class na sambahayan. Ang kanyang mga magulang ay nagpatakbo ng isang maunlad na kumpanya ng plastik, isang negosyo ng pamilya na biglang tumigil dahil sa pang-aabuso ng kanyang ama. Ang pagsasara ng negosyo ay nagkaroon ng agaran at malalim na epekto, na nagpilit kay Wipo na mabilis na matutunan ang kahulugan ng grit at katatagan, na umangkop sa isang buhay kung saan ang pagmamadali ay naging pinakamahalagang kasanayan.

Hindi tulad ng maraming visual artist na nagtapos ng studio arts course sa art school, pinili ni Wipo na mag-aral ng advertising sa unibersidad. Ang bastos niyang pagmulat ay napagtanto niyang hindi na kayang tustusan ng kanyang pamilya ang kanyang pag-aaral. Pinaghirapan ni Wipo ang kanyang mga pagpipilian sa buhay, lalo na ang kanyang landas sa karera, alam na may maliit na puwang para sa pagkakamali. Ang pagkawala ng negosyo ng kanilang pamilya ay naging isang make-or-break moment para sa kanya, lalo na tungkol sa kanyang desisyon na ipagpatuloy ang kanyang pag-aaral sa unibersidad. Ang kanyang sitwasyon ay nangangahulugan na ang tanging paraan pasulong ay upang magkaroon ng ilang balat sa laro.

Tinanong niya ang sarili: Sugal ba ang hilig ko sa sining?

Fast forward sa ngayon, si Wipo—na kilala sa kanyang mga dynamic na pictorial field na nag-explore sa kanyang personal na pilosopiya sa trauma, memorya, at healing—ay nag-ukit ng puwang para sa kanyang sarili sa loob ng umuunlad na lokal na eksena ng sining.

Ang kanyang pinakahuling solong palabas na “Mula sa Bituin Hanggang Buto” sa Blanc Gallery at ang kanyang partisipasyon sa group show na “On The Self” sa Faculty Project ay nagpapakita ng mga gawa na nagpapakita ng kanyang evocative explorations sa loob ng kanyang nagbabagong visual vocabulary.

Sa pag-uusap na ito, sinasalamin niya kung ano ang ibig sabihin ng paglikha ng isang visual na wika na tumutugon sa isang serye ng mga kapus-palad na kaganapan sa kanyang buhay at ang transformative power ng paggawa ng trauma sa isang wika ng pagpapalaya at pasasalamat.

Sino si Wipo?

Ako ay isang pintor at photographer at ang pangalan ko ay Wipo, isang pangalan na likha ko mula sa “will power” pagkatapos makaligtas sa isang aksidente sa sasakyan noong 2014. Ang aking legal na pangalan ay Jeff Baligad.

Ang aking mga naunang gawa ay naglalarawan ng mga silweta ng mga pigura ng tao gamit ang nagpapahayag, makapinta na mga diskarte. Ang aking kasalukuyang mga gawa ay higit na hindi representasyonal at nagbibigay ng pakiramdam ng paggalaw bilang resulta ng aking visceral at marahas na pakikipag-ugnayan sa pintura bilang medium.

Ang aking trabaho ay isang paghahanap—isang paggalugad ng pagkakakilanlan, isang salamin ng aking pakiramdam ng pagkatao. Ang iconography sa aking mga unang gawa ay lumitaw mula sa isang walang mukha, parang multo na pigura sa aking mga panaginip-marahil isang subconscious projection ng aking sarili. Sa pamamagitan ng aking proseso at visual na bokabularyo, ako ay hinihimok na subaybayan ang nakakabigla na pigura na ito at subukang tumuklas ng isang bagay na mas malalim: upang mahanap ang aking sarili at, sa proseso, lumapit sa gilid ng kung sino ako. Ang aking malapit-kamatayang karanasan ay pangunahing nakaapekto sa kung paano ko tinitingnan ang aking sarili bilang isang artista at bilang isang tao.

BASAHIN: Makalipas ang isang dekada, magkasamang muli ang Santos na pamilya ng mga artista

Paano ka naging full-time studio artist?

Ang aking landas ay hindi madali o diretso. Nag-aral ako ng fine arts na may pagtuon sa advertising sa University of the East ngunit kinailangan kong huminto ng tatlong semestre dahil sa mga personal na hamon. Sa aking sophomore year, natanto ko na hindi kayang bayaran ng aking pamilya ang aking pag-aaral pagkatapos na bumagsak ang aming negosyo dahil sa pang-aabuso ng aking ama sa droga.

Nag-audition ako para sa mga TVC at nakakuha ng papel kasama ang Parokya Ni Edgar. Nagtrabaho din ako bilang photographer para sa Himno sa Ibabana tumulong sa akin na bumalik sa paaralan at tustusan ang aking pag-aaral sa sining. Nang maglaon, sumali ako sa isang graphic design team na kalaunan ay natunaw. Noong panahong iyon, hindi ko naiintindihan ang kontemporaryong sining, walang mentor, at hindi ko nakita ang pagiging isang full-time na artist bilang isang mabubuhay na karera. Ang alam ko ay mahilig ako sa sining, komiks, at pagguhit—kaya’t binili ko ang aking unang set ng mga materyales sa sining sa aking unang suweldo.

Ang aking paglalakbay ay hinubog ng aking determinasyon na malampasan ang mga hadlang, at ang aking pagsasanay sa studio ay suportado ng malalapit na kaibigan—Pam Quinto, Miguel Lorenzo Uy, Celine Lee, at Jed Gregorio. Bagama’t hindi karaniwan ang aking landas sa pagiging isang full-time na artist, lubos akong nagpapasalamat na magawa ko ang ginagawa ko ngayon.

Ano ang pinakamahalagang karanasan sa iyong buhay na lubos na nakaapekto sa iyong paggawa ng sining?

Ang aking malapit na kamatayan na karanasan sa isang aksidente sa sasakyan ay lubos na nagpabago sa akin. Binago ng pagharap sa kamatayan ang aking kasanayan sa sining—ang aking iconography, konseptwal na balangkas, mga pagbasa, at ang mga tanong ko sa aking sarili. Ang sining ay naging angkla ko bilang isang tao at ang sasakyan kung saan ko harapin ang aking mga eksistensyal na katanungan: Bakit ako nabubuhay ngayon? Bakit ako nandito?

Bilang isang artista, napipilitan akong maunawaan ang aking panloob na mundo—kung bakit ganito ang iniisip ko, kung bakit ako tumutugon sa mga stimuli sa paraang ginagawa ko. Ang trauma ng halos mamatay ay isang estado ng pagiging palagi kong binabalikan. Ang alaala ng surviving ay nagbigay sa akin ng isang malalim na pakiramdam ng pasasalamat para sa lahat ng mayroon ako ngayon.

Sa loob ng dalawang taon kong pakikipagbuno sa PTSD mula sa pagbangga ng sasakyan, binigyan ako ng aking ama ng isang libro tungkol sa Budismo. Malalim akong nahihirapan sa aking buhay, at kahit na ang aking mga paniniwala sa relihiyon ay nagbabago sa nakalipas na mga taon, ang kanyang pag-aalaga at suporta ay nagbigay sa akin ng kaaliwan.

Paano naimpluwensyahan ng iyong near-death experience ang iyong creative process?

Natatakot akong mawala ang kakayahan kong makaalala—pinagmumultuhan ng takot sa memory gaps at amnesia. Upang makayanan, nagsimula akong mag-journal nang walang katapusan at idokumento ang lahat sa pamamagitan ng pagkuha ng litrato. Gumawa ako ng isang sistema upang tulungan ang aking sarili na mapanatili hangga’t kaya ko. Ito ang naging eksistensyal kong tugon sa kamatayan.

Your most recent solo show “Mula Bituin Hanggang Buto” at Blanc Gallery references that car crash. Sabihin sa amin ang higit pa tungkol dito.

“Mula Bituin Hanggang Buto” was a show about gratitude. Sa nakalipas na dekada, napakarami kong nasaksihan—ang mabuti, ang masama, at ang kalunos-lunos—at ang paglikha ng sining na nagpagaling sa akin ay parang sapat na dahilan para magpasalamat. Sa palabas na iyon, nagpinta ako sa isang hood ng kotse gamit ang mga itim at puting pigment sa parehong pulang kulay ng kotseng sinasakyan ko noong nabangga. Ang piraso ay parehong pagpipinta at bagay, painterly at sculptural, pinagsasama ang nahanap na bagay sa gestural abstraction. Sa pamamagitan nito, nagawa kong ikonkreto ang isang sikolohikal na karanasan. Inihatid ko ang pakiramdam ng banggaan sa pamamagitan ng paghagis ng bust na ginawa ko sa hood, na lumilikha ng mga marka sa ibabaw ng mga depresyon at mga gasgas na pumukaw ng pakiramdam ng kontroladong karahasan.

Nagpasya akong isama ang bust na ginawa ko sa “On The Self,” ang grupo sa Faculty Projects, habang ang pagpinta ng hood ng kotse ay natagpuan ang lugar nito sa aking solo na eksibisyon sa Blanc. Para sa akin, ang dalawang bahaging ito na may kaugnayan sa konsepto ay nagsisilbing isang thread na nagkokonekta sa dalawang palabas, na parehong nag-e-explore ng magkatulad na tema ng curatorial.

Maaari mo bang sabihin sa amin ang higit pa tungkol sa iyong visual na wika bilang isang artist?

Gusto kong isipin na ang aking visual na wika ay nahuhubog ng aking pagpupursige sa “paglaya”—paglaya mula sa aking kaakuhan at sa aking naisip na pag-unawa sa sarili.

BASAHIN: Ang art showcase na ito sa Singapore noong Enero ay nagniningning ng spotlight sa Southeast Asian Art

Bakit ang iyong visual na bokabularyo ay nag-ugat sa abstraction?

Naaakit ako sa abstraction dahil hindi lubos na maiparating ng mga representasyong larawan ang damdaming inaasahan kong ipahayag. Madalas kong itanong sa aking sarili: Ano ang pakiramdam ng takot, ng kalungkutan, o ang tinatawag kong “magic spot”—isang espasyo sa pagitan ng matamis na lugar at malambot na lugar. Ang mga mahiwagang lugar na ito, para sa akin, ay sumasalamin sa karanasan ko noong bata pa ako na maiwang mag-isa, walang matanda na malalapitan para humingi ng tulong, nang ang aking ina ay naging biktima ng isang ilegal na recruiter. Binibigyang-daan ako ng abstraction na ipahayag ang mga “magic spot” na ito sa paraang mas tapat at direkta sa pakiramdam.

Ang mga abstractionist tulad nina Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Jackson Pollock, at Mark Rothko ay nakipagbuno sa mga pormal na alalahanin sa pagbuo ng kani-kanilang mga visual na wika. Ano ang iyong mga pormal na alalahanin bilang isang abstractionist?

Enerhiya at paggalaw. Nilalayon ng aking trabaho na makuha ang pabago-bagong daloy ng enerhiya na nakuha mula sa aking mga sikolohikal na karanasan, partikular na ang trauma at paglaya mula sa sarili kong ego.

Minsan, iniisip ko kung ang abstraction sa loob ng konteksto ng pagpipinta ay maaaring ganap na makuha ang gusto kong ipahiwatig. Gayunpaman, sa lahat ng mga mode ng representasyon sa pagpipinta, ang abstraction ay nag-aalok pa rin ng pinakamalapit na paraan upang maipahayag ang mga panloob na agos na ito. Nagbibigay-daan ito sa akin na mailarawan ang intensity at galaw na nararamdaman ko, kahit na hindi nito lubos na makukuha ang kanilang pagiging kumplikado at lalim.

Sinabi ni Julie Mehretu, “Talagang interesado ako sa hindi tiyak na elemento ng abstraction.” Kung mag-iiwan ka sa amin ng isang quotable quote tungkol sa esensya ng iyong trabaho, ano ito?

“Pag-aalinlangan lang.”

Ang kakayahang pagdudahan ang lahat—kabilang ang aking sarili at kung ano ang sinasabi kong pinaniniwalaan—ay mahalaga sa aking proseso ng paglikha. Ang pagdududa ay nagpapanatili sa akin na saligan at tapat.

Sino ang tatlo mong paboritong artista?

Ling Quisumbing. Tinuruan niya akong magpatuloy sa paggawa ng trabaho hanggang sa mahanap ko ang sarili kong visual na wika. Roberto Chabet, ang ama ng konseptwal na sining sa Pilipinas. Talagang hinahangaan ko ang kanyang pamana. Ang mga gawa ni Frank Stella, na nakita ko nang personal sa Singapore ilang taon na ang nakararaan, ay nagpalawak ng aking pang-unawa sa sining, na nagpapakita sa akin ng walang katapusang mga posibilidad na higit pa sa tradisyonal kong iniisip bilang sining noong panahong iyon.

Ano ang nagpapasaya sa iyo?

Ang pagtingala sa langit ay nagpapasaya sa akin. Ang pagiging buhay ay nagpapasaya sa akin. Ang buhay mismo ang nagpapasaya sa akin.

Bakit ka artista?

Dahil ang sining ay paglabas ng kung ano mang nangyayari sa loob ko. Ito ay nagpapahintulot sa akin na ibunyag ang aking sariling kuwento ng tao.

Mga larawan ni Patrick de Veyra

Ang solong eksibisyon ni Wipo “Mula sa Bituin Hanggang Buto” binuksan sa Blanc Gallery noong Nob. 9, 2024