“Ang festival ay palaging interesado sa boses ng filmmaker at ang kapana-panabik na bagong pananaw na dinadala ng pelikula sa mundo,” sabi ni Keith Deligero, filmmaker at founder ng Binisaya International Film Festival, sa Rappler nang tanungin tungkol sa programming ng festival ngayong taon. “Karamihan sa mga platform ng pelikula ay nagsasabi (ang) kuwento ay hari. Hindi naman ganoon dito,” patuloy niya.
Ngayon sa ika-14 na pag-ulit nito, ang Binisaya ngayong taon, na gaganapin sa Cebu at available online sa pamamagitan ng Vimeo On Demand, ay ipinagmamalaki ang halos 40 pelikula sa apat na kategorya (Shorts, Horizons, World, at Shootout), kabilang ang isang slate ng mga pelikula mula sa production group na Archipelago bilang nito. pagsasara set. Bahagi rin ng pagdiriwang ang mga pag-uusap ng longtime film programmer na si Ed Cabagnot at Mga tagapaglinis direktor na si Glenn Barit sa “Pinoy indies bilang mga espasyo ng komunidad” at “Paglipat mula sa maikling paggawa ng pelikula tungo sa paggawa ng pelikulang tampok,” ayon sa pagkakabanggit.
Tulad ng alam na alam ng angkop na lugar at nakatuong madla nito, ang Binisaya ay nananatiling kabilang sa mga pinakaaktibong pagdiriwang ng pelikula sa bansa na nagsusulong ng sensibilidad ng Visayan gayundin ang panrehiyon at pandaigdigang sinehan, na hindi nababalot ng walang hanggang mga komersyal na pangangailangan.
Sa maraming paraan, ang pagdiriwang ay isang paninindigan ng walang pigil na paggawa ng pelikula, kung isasaalang-alang na “napakaraming gatekeeping sa sinehan,” gaya ng sinabi ni Deligero. “Dapat nating hayaan ang sinehan na maging sinehan,” sabi niya.
At sa kabila ng paggigiit ni Deligero sa festival na naglalagay ng premium sa pananaw higit sa anupaman, marami pa ring makukuha mula sa mga kalahok na pelikula ng edisyong ito sa mga tuntunin ng kalibre, pananaw, at imahinasyon. Laging ganyan ang merito ng mga puwang ng pelikula sa paligid.
Roland Cartagena, na ang maikling pelikula Lumang Mundo ay bahagi ng kategoryang Horizons, nagtataglay ng magkatulad na damdamin. “Sinabi ni Direk Keith na ‘nasa mga rehiyon ang kinabukasan ng sinehan ng Pilipinas,’” ibinahagi niya.
“Sa tingin ko ang kahalagahan ng mga film festivals tulad ng Binisaya ay nasa kung paano nito kinakatawan, na-highlight, at nasusuportahan ang mga filmmakers mula sa mga rehiyon na maaaring hindi gaanong makuha kung pumasok sila sa mga festival dito sa Metro Manila, dahil sa kompetisyon, logistik, diskriminasyon, o iba pang mga hadlang, “paliwanag ng direktor na nakabase sa Caloocan, na ang pelikula, tulad ng maraming mga pelikula sa lineup, ay gumana sa isang maliit na badyet.
Sinabi pa ni Cartagena, “Sa tingin ko ang patuloy na paggalaw ng pagkilala sa mga sinehan mula sa mga rehiyon ay isang mahalagang hakbang para sa pelikulang Pilipino, kung isasaalang-alang ang kasalukuyang diskurso sa ating sinehan na nakasentro sa Maynila. Sa tingin ko ito ay tungkol sa oras – hindi lamang para sa mga stakeholder na responsable para sa pagpopondo at suporta, kundi pati na rin sa panig ng pagtanggap, sa madla at publiko – upang palawakin ang espasyo sa mga pelikulang nagmumula sa lahat ng dako ng mga isla.”
Zamboanga del Norte-based filmmaker Kyle Erika Saycon, the mind behind Sumipol sa Hangin sa ilalim ng kategoryang Binisaya Shorts, kinikilala din ang patuloy na lumalawak na agwat na ito, na binabanggit ang mga pader na kailangang pasukin ng mga direktor mula sa mga rehiyon, lalo na sa mga tuntunin ng suporta.
“Kung makakapagbigay tayo ng mas maraming pondo, mentorship, at mga pagkakataong pang-edukasyon, naniniwala ako na ang eksena sa paggawa ng pelikula sa Zamboanga del Norte at sa ibang mga rehiyon ay maaaring mas umunlad pa,” aniya.
Dagdag pa ni Saycon, “Lagi akong nanindigan sa katotohanan na napakaraming mayamang kultura at kuwento mula sa mga rehiyon na nararapat malaman ng mundo. Kung bibigyan natin ng pagkakataon ang ating mga umuusbong na filmmaker, mas maririnig natin ang mga hindi kapani-paniwalang kwentong ito. At ito ay hindi lamang tungkol sa pagsuporta sa kanilang talento; ito ay tungkol sa pagbabahagi at pagpapanatili ng mga taon at taon ng pamana.”
Sa katunayan, pinatutunayan ng Binisaya 2024 ang marubdob na pagtatangka na ito sa paglabas ng mga ganitong kuwento. Itinatampok dito ang anim na pelikula na itinuturing kong mga personal na highlight sa iba’t ibang mga seleksyon, mga pelikulang ang artistikong merito ay hindi limitado sa kung paano nila nakukuha ang init ng ating panahon, mga pelikulang gumagamit ng mga vantage point at kasabay nito ay naglalahad ng mga insight na may halaga.
Mainit na Ulan ni Faith Aragon (Cebu, Philippines; Binisaya Shorts)
Ang premise ng Faith Aragon’s Mainit na Ulan ay medyo prangka at walang kapantay, habang naglalakbay ito kasama ang dalawang babaeng manggagawa – ang isa ay nagtitinda ng gulay, ang isa ay isang virtual assistant na nagtatrabaho nang malayuan – upang ipakita ang dalawang materyal na katotohanan na lubhang magkaiba.
Kahit na ang visual scheme nito, ang paggamit ng split screen, ay medyo nasa ilong at nasusukat sa pagsisikap nitong i-sketch ang class divide, ito ay isang treatment na gumaganap ng komentaryo ng pelikula sa mga vantage point at ang labor landscape sa bansa, pinalala ng klima na nagiging mas pabagu-bago at malupit kaysa dati. Dito, magkakatabi ang kaginhawahan at pakikibaka, at pinagsama-sama ito ni Aragon sa napakaikling panahon.
Isang Tula sa Pagtatapos ng Tag-init by Lam Can-zhao (China; Binisaya World)
Nagwagi ng premyong Berlinale ni Lam Can-zhao Isang Tula sa Pagtatapos ng Tag-init nakamamangha higit sa lahat dahil sa biswal na leksikon nito na kung minsan ay nakakaramdam ng labis na pag-aalala at puspos ng buhay. Ang pangunahing karakter nito, isang batang taga-bayan na gumugol ng isang hapon sa lungsod upang gastusin ang kanyang mga ipon sa isang pangarap na hairstyle (ang uri na karaniwang isports ng mga pop star) habang siya ay malapit na sa middle school, ay isa pang karagdagan sa mahabang linya ng mga cinematic protagonist na natuklasan ang mali-mali na katangian ng paglaki.
Ang mga larawan ni Lam ay kumikinang sa perpektong komposisyon at pagkakayari nito, na mahusay na pinagsama sa mayaman at hinog na soundscape; ito ay isang diskarte na hindi lamang paglilibot sa manonood sa paligid ng mga pasyalan, ngunit aktwal na mahanap ang mga ito sa panloob na buhay ng pangunahing karakter, ang maliit na bulsa ng oras na ito na sinusubukang hawakan ng pelikula.
Walang kasing daming nobelang detalye sa pelikula na gustong asahan ng manonood. Sumusunod ito sa medyo pamilyar na plotline at gayunpaman ay nagagawa pa rin itong gumana, upang i-activate ang mga pag-uusap na matagal nang pinagkakaabalahan ng mga malabata na buhay sa pangkalahatan. Sa nakalipas na mga ito, mayroong isang pagkabalisa na pagkakapantay-pantay sa pelikula na nagbibigay-daan dito upang ipahayag kung ano ang nais nitong ipahayag tungkol sa incoherence ng pagbabago at para sa mismong pagpapahayag na iyon na maging tapat, napakabilis.
Lumang Mundo ni Roland Cartagena (Caloocan, Philippines; Binisaya Horizons)
Walang sensory deprivation sa Roland Cartagena’s Lumang Mundolalo na sa paraan ng paggamit nito ng natural na liwanag at natural na tunog upang makagawa ng isang pelikula na hindi nag-aalis ng kalinawan ng insight mula sa pagiging simple nito. Sinusubaybayan ng kuwento ang pangangaso ng poacher para sa mga halaman ng pitsel, na ngayon ay unti-unting nawawala sa pelikula at sa totoong buhay, na nakatagpo ng isang telepono sa gitna ng kagubatan; ang mga nagri-ring na tore nito sa ibabaw ng euphony ng mga ibon at kumakaluskos na buhay ng halaman kung saan napilitang pakinggan ng lalaki.
May boses sa kabilang dulo ng linya, ngunit ang pigura nito, ang mukha nito, ay hindi alam sa amin. Tila isang ina na naghihintay sa pagbabalik ng kanyang anak o isang ganap na estranghero sa kalungkutan, na para bang naghahanap ng reprieve. Ito ay parang isang boses na umiral sa nakaraan bago ang memorya, isang boses na nag-aalala sa kanyang patuloy na paglaki ng buhok at kung paano dumating ang mga bisita sa kanyang lugar, sunud-sunod, upang bunutin ang mga hibla nito at kung ano ang kanyang naramdaman sa bawat paghila.
Siyempre, nakahanap ang Cartagena ng angkop na metapora sa aparatong ito, na ipinares sa isang magandang, Apichatpong-esque mounting, sa lahat ng mga gulay at kayumanggi nito, upang pagnilayan ang “pagkalipol, pagsasamantala, pag-iral, at ekolohiya, kung saan ang mundo ay isang kagubatan at sangkatauhan. ay poacher nito,” gaya ng pagkakasabi niya rito.
Mayroong isang uri ng double vision dito, hindi literal, ngunit sa paraan ng pagtingin nito sa nakaraan at hinaharap, sabay-sabay na sinusubaybayan ang mga pinagmumulan ng mga sugat at mga paraan ng pagpapagaling. Equally integral is how the film insist on the use of Subanen, a language chiefly spoken in Zamboanga Peninsula, the native tongue of the director’s mother who also did the narration, for how it captures so much feeling and richness. Si Subanen, gaya ng sinabi ng direktor, ay bihirang i-render sa screen, at napakasimbolo nito sa kasong ito na perpektong ipinapahayag at ipinapahiwatig nito ang sentral na pahayag ng pelikula sa pabago-bagong mundong ito.
Mga bisagra ni Louis Arnias (USA; Business World)
kay Luis Arnías Mga bisagra ay isang ano ba ng isang pangitain, kung saan ang paggalaw, pagsasalaysay ng pangahas, at pag-eeksperimento ay lahat ay nagsasama-sama, na binalangkas sa pamamagitan ng isang Black consciousness. Ito ay isang gawaing nagmamapa ng transportasyon ng mga inaliping Aprikano patungo sa Estados Unidos at ang malupit nitong pamana (tingnan ang kuwentong ito mula sa Ang New York Times), gaya ng nakatagpo ng mga ninuno ng direktor.
Ganap na nai-render sa monochrome, ang pelikula ay higit na umaasa sa mga larawan ng tubig, ang urbanscape, at mga tampok ng mga Black na kadalasang ipinapakita sa malapitan bilang mga visual na kagamitan nito, at mararamdaman mo ang texture at kamangha-manghang mga anyo na ginagawa sa harap mo kung paano ang mga laruang pelikula na may liwanag at anino pati na rin ang pag-edit nito.
Walang pag-uusap sa kabuuan ng trabaho, ngunit ang pelikula ay nakikipag-usap sa paraan nito sa pamamagitan ng pagdodokumento ng lahat ng mga nangyayari sa mga lugar na binibisita nito sa paraang pakiramdam na talagang nabubuhay at natatakpan ng walang pigil na musika, na parang bahagi talaga tayo nito. buong retracing ng personal at mas malawak na mga kasaysayan.
Ang pelikula ay hindi nakakaramdam ng pagnanais na i-annotate kung ano ang ipinakita nito sa amin. Kung mayroon man, ang pagiging bukas nito ay isang yakap, dahil binibigyan tayo nito ng pagitan upang i-parse ang kahulugan nito, kung ang kahulugang iyon ay isaalang-alang sa konteksto ng memorya, pagkakakilanlan, kolonyal na karahasan, o pag-unlad ng kalunsuran. Sa anumang paraan ay hindi ito nakikita bilang perfunctory o pretentious; ito ay naglalagay lamang ng pananampalataya sa manonood at sa sarili nitong paraan ng artikulasyon.
Sumipol sa Hangin ni Kyle Erika Saycon (North Zamboanga, Philippines; Binisaya Shorts)
Kay Kyle Erika Saycon Sumipol sa Hangin ay nakakaulol sa malawak na mga pahayag. Kung minsan, maaaring pahalagahan ng isa ang pagsisikap na ito na magdiskurso sa engrande; sa iba, nililito lang nito ang momentum ng salaysay. Nasa puso ng balangkas ang dalawang batang lalaki, sina Isagani at Tomas, na nag-aaliw sa alingawngaw tungkol sa isang matandang lalaki na itinuturing nilang responsable sa matinding init at malakas na pag-ulan na bumagsak sa mga pananim ng kanilang komunidad. Siya ay isang mangkukulam na sumpain ang lupain, o kaya ang kuwento, at mabilis itong lumaki na parang apoy.
Ang walang tigil na camerawork at pabagu-bagong pacing, kahit na kakaiba ang diskarte na ito, ay nagbibigay-daan sa pelikula na walang humpay na bumuo sa premise nito, hanggang sa mapunta ito sa isang nakakapukaw na endnote. At habang ang buong argumento sa mga interseksyon ng komunidad, pamahiin, kapabayaan ng estado, at pagbabago ng klima ay hindi eksaktong magkakaugnay sa isang bagay na matibay at matalas (karamihan ay resulta ng naliligaw na pagsulat), maaaring hayaan ng isang tao na pumasa ito sa kung paano sabik na gawin ang pelikula. sa pananaw nito, upang gamitin ang bawat materyal na magagamit nito, at itala ang isang katotohanan na paulit-ulit na umuulit sa gitna ng masa.
Ang Steak ni Kiarash Dadgar (Iran; Binisaya World)
Kay Kiarash Dadgar Ang Steak nagsasalaysay ng isang nakakapangilabot na pangyayari sa totoong buhay sa katimugang Iran at ipinalabas ito sa screen na may brio ng drama. Sa pelikula, mainit na naghahanda ng pagkain ang isang ina para sa kaarawan ng kanyang anak, ngunit nagkakagulo ang lahat nang salakayin ng mga tauhan ng militar ang kanilang lugar, na nag-udyok sa mga residente na iwanan ang kanilang mga tahanan at tumakas para mabuhay.
Ang bawat frame, sa kabila ng mahinang palette, ay aktibo at napakahusay na pagkakagawa, at mararamdaman mo ang intensity at commitment ng direktor sa paggawa ng piyesang ito, na nakakagulat na kinunan sa loob ng isang araw.
Higit pa rito, ang pelikula ay isang pagpapakita ng matagumpay na soundwork. Sa bahay, nariyan ang tuloy-tuloy na pagkitik ng timer sa kusina, ang pagsirit ng kawali, o ang paglangitngit ng nakabukas na kabinet, ngunit sa di kalayuan, maririnig mo ang putok ng baril at pagsabog, ang mga bahay na nasusunog, at ang lahat ng init. mga buhay na sumisigaw ng tulong.
At madarama mo kung paano ginagamit ng larawan ang soundscape na ito, na humiwalay sa anumang diyalogo, upang pasiglahin ang kaba na bumabalot sa kwento, hanggang sa ito ay pumapasok sa huling pagsabog ng emosyon – napakalamig sa laki at katumpakan nito.
Kung isasaalang-alang ang pagsasara nitong imahe, na ang masarap na karne ay nasusunog na ngayon at ang mantika ay tumalsik sa bintana at kusina, malinaw na ito ay isang pelikula na humaharap sa kalupitan na nananatili pagkatapos ng katotohanan. Ito ay nakakahimok para sa kung paano ito makakarating nang maganda sa talinghaga nito at magsalita ng mga partikularidad ng digmaan na madaling mabalewala at ilibing, ang maraming panloob na buhay ay nabawasan bilang collateral. – Rappler.com
