MANILA, Philippines – “Ito ay isang kapana-panabik na sandali,” sabi ni Don Josephus Raphael Eblahan kung ano ang naramdaman matapos malaman na ang kanyang maikling Vox ng Taona inilalarawan niya bilang “isang pelikula tungkol sa wika ng pakikinig,” ay ipapalabas sa Toronto International Film Festival (TIFF) ngayong taon, mula Setyembre 5 hanggang 15.
“Naisip namin na ang TIFF ay isang perpektong paraan upang simulan ang aming festival run habang nagsisimula ito sa panahon ng pagliko ng mga panahon mula tag-araw hanggang taglagas. Ito ay tumutugma sa kapaligiran ng pelikula sa ganitong paraan. First time ko sa TIFF pati na rin ang karamihan sa team namin, kaya magiging bagong experience ito para sa aming lahat,” he continues.
Vox ng Tao ay ang pinakabagong karagdagan sa mga pagsisikap ni Eblahan sa pagmamapa ng mga limitasyon bilang isang taong patuloy na gumagalaw at naninirahan sa mga bagong lugar sa halos buong buhay niya, dahil sa trahedya o sa mga komplikasyon ng buhay.
“Kaya nariyan ang patuloy na paghahanap ng mga paraan upang maiangkla ang aking sarili sa heograpiya o espirituwal sa isang lugar para lang maunawaan ko ang lahat ng mabilis na pagbabagong nangyayari sa paligid ko,” ang sabi sa akin ng direktor.
Ang pagpupumilit na ito sa paghahanap ng isang kilometrong zero ay nagsimula sa unang maikling pelikula ni Eblahan, ang parehong nakakahilo at nakakabighani. Umbilical Cord to Heaventungkol sa ilang indibidwal na sumusubok na tawagan ang mga sinaunang diyos at puwersa ng kalikasan, na nakasalikop sa napakagandang soundscape.
“At mula noon palagi kong tinutunton ang aking daliri sa ibabaw ng mga lugar na aking tinitirhan,” sabi ni Eblahan. “Umbilical ay ang aking pagtatangka upang tulay ang agwat sa pagitan ng aking hilagang Igorot na pagkakakilanlan at aking katimugang Bisaya na pagkakakilanlan, kaya sa isang paraan ito ay ang aking sariling personal na pagkilala sa lupa. Ang bawat maikling pelikula na dumating pagkatapos noon ay isang paraan upang galugarin at tanungin ang mga heograpiyang ito at ang post-kolonyal na buhay na nananatili sa mga lugar na ito.”
Ngunit bukod dito, ang susunod na tatlong shorts ni Eblahan – Hilum, Ang anak na babae ng Headhunter (nagwagi ng 2022 Sundance Short Grand Jury Prize), at Vox ng Tao – iikot din “sa ideya ng pagganapna nagtatampok ng mga protagonista/aktor na mga propesyonal na nagdadalamhati, balladeer, at kilusang artista.”
Makikita sa isang maliit na bayan sa bundok, ang 22 minuto Vox ng Tao nakasentro sa isang “feral na tao” sa kakahuyan na nakatagpo ng mga pulis kasunod ng lindol. Nalilito sa kanyang pag-iral, humingi ang pulisya ng tulong sa isang zoologist, isang sound recorder, at isang news team upang matukoy kung ang misteryosong pigura ay may kinalaman sa lahat ng mga natural na sakuna na nakakagambala sa kanilang lugar.
Ang panahon ng pagbubuntis para sa Vox ng Taona nakakuha ng suporta mula sa Indigenous Program ng Sundance Institute, ay medyo matagal mula noong ginagawa ito ni Eblahan habang kumukuha ng hiwalay na paninirahan sa pagsulat sa Paris na itinataguyod ng Cannes upang bumuo ng materyal para sa Humang feature film na pinsan ni Vox ng Tao.
“Kahit na Hum may ganap na kakaibang kwento, Vox ng Tao ay ang aking pagtatangka na mag-eksperimento sa pagsasama-sama ng maraming genre bilang layunin kong gawin Hum: paghahanap ng tuluy-tuloy na paglipat sa pagitan ng western, sci-fi, at detective/crime films,” sabi ng direktor.
Hum ay unang binuo sa Sundance Institute at sa Native Lab nito. Ang pelikula, na sinusundan ng “runaway northern land defenders who reinvent their themselves as rodeo stars in the south,” ay nakatakdang maging debut feature-length na pelikula ni Eblahan.
“Ito ay magiging mas neon-basang-basa, pawisan, galit, at moody na pelikula kumpara sa Vox ng Taosa kabila ng kanilang malapit na pagkakatulad,” ang sabi ni Eblahan.
Dagdag pa ng filmmaker, “Ang mga discotheque ng koboy, mechanical bull-riding, at folklore ng Ifugao ang ilan sa mga pangunahing aesthetics na gagabay sa salaysay sa mga tagumpay at kabiguan nito. Ito ay mabigat na balangkas ngunit siyempre pinapanatili ang maraming mga pakiramdam ng atmospera ng aming mga nakaraang gawa. Ito ay isang maluwag na adaptasyon ng katutubong alamat ng Ovug ‘The Divided Child’ – ang Ifugao god(s) of thunder.”
Ito, pagkatapos ng kanyang orihinal na ideya para sa isang tampok na debut – isang mas mahabang katapat ng Hilum – na-shelved, kahit na naisulat na niya ang materyal bago ginawa ang maikling.
“Napagtanto ko pagkatapos ng premiere ng short sa Clermont na marahil ay napakabata ko pa para kunin ang feature na bersyon. Kailangan kong maghintay hanggang sa tumanda ako ng kaunti, at baka pagkatapos ay makadama ako ng kapayapaan tungkol sa pagpasok muli sa mundo nito, “pag-amin ni Eblahan.
Sa aming pag-uusap sa ibaba, na na-edit para sa kaiklian at kalinawan, ibinahagi ni Eblahan ang proseso ng paglalagay Vox ng Tao sa screen, ang kanyang pananaw sa indigeneity, at kung ano ang ibig sabihin ng makinig.
Parallel sa Ang anak na babae ng Headhunter, Vox ng Tao nagaganap sa kabundukan at sumasalamin din sa misteryoso at malungkot na saloobin ng hinalinhan nito. Nakikita mo ba sa anumang paraan ang mga pelikulang ito bilang bahagi ng isang diptych o hindi bababa sa espirituwal na konektado?
Ang parehong mga pelikula ay kinunan sa parehong kapitbahayan sa aking bayan ng La Trinidad. Ang misteryoso at malungkot na saloobin ay isang kapaligiran na kasama ng lugar, ngunit ito rin ay isang vibe na kasama ng personalidad ng Igorot. Inayos ng buong team ang pagiging cool ng cowboy noong nasa set kami, hinahayaan itong gabayan ang aming mga malikhaing pagpili, ang aming ugali, at pakiramdam ng presensya, na katulad ng vibe ng bida sa Ang anak na babae ng Headhunter. So in a way, yung production namin for Vox espirituwal na nagpapaalala sa akin ng pagiging simple at kawalang-sala na mayroon ako kapag gumagawa Headhunter’s.
Napakalinaw kung paano sinasamantala ng pelikula ang tanawin nito. Na-shoot mo ba ang lahat ng ito sa isang lokasyon, at ano ang motibasyon sa pag-mount ng pelikula sa ganitong paraan?
Ito ay karaniwang dalawang lokasyon lamang: ang panlabas at ang loob. Walang masyadong company moves sa shoot, bagama’t may ilang mahihirap na pag-hike! Ito rin ang aking unang pagkakataon na magtrabaho kasama ang isang DP pagkatapos gumawa ng camera work sa sarili ko Hilum at Headhunter’s. Ang aming direktor ng photography, si Vincent Prochoroff, ay napakadaling makibagay at sensitibo sa mga tanawin at tunog ng lugar at naunawaan niya kung ano ang kailangan ng pelikula pagkatapos ng ilang buwan sa aking bayan, ang La Trinidad.
Ang mga lokasyong ito ay pinili namin batay sa natural na ilaw na nakita namin sa oras at araw na sinuri namin ito. Hindi kami gumamit ng mga ilaw sa pelikulang ito, kaya ang mga pagpipilian sa lokasyon ay puro liwanag ang idinidikta, at ang liwanag ay puro dinidiktahan ng mga hindi inaasahang pagbabago ng aming lupain. Kaya ang aming malikhaing dialogue ay nagsasangkot ng pagiging bukas sa kung ano ang ibinibigay sa amin ng mundo bilang aming pinakamalaking kolaborator — ang pagsasayaw dito, sa halip na hubugin ito upang pilitin na lumabas ang aming pelikula.
Mahalaga rin ang tunog at galaw sa pelikula, at sa tingin ko ay partikular na kawili-wili kung paano mo ito isinama bilang isang wika na kumikilos sa paraang parang prehistoric. Ano ang dahilan sa likod ng masining na desisyong ito?
Nais naming gumawa ng pelikula tungkol sa wika ng pakikinig: sa lupa, sa mga tao, at maging sa mga nilalang na hindi tao. Sa pamamagitan ng tunog, nais kong tanungin ang konsepto ng “hindi tao” partikular na sa lente kung paano maaaring gamitin ang gayong kahulugan laban sa mga marginalized na tao na ang mga lupain at karapatan ay karaniwang inaalis.
Sa pamamagitan ng pagkakaroon ng mga elite at akademikong karakter ng pelikula na naniniwala sa mga alingawngaw, na nagpapakita ng “dehumanized” na mga katangian patungo sa “feral na tao,” sinimulan namin ang pelikula sa isang disadvantaged na larangan ng paglalaro. Ang madla ay tumitingin sa mga may pakinabang hanggang sa umusad ang salaysay at sa kalaunan ay madala tayo sa larangan ng pag-iisip ng “feral man” kung saan sa wakas ay maririnig natin ang kanyang “wika.” Dahil sa sandaling ito, harapin natin ang hindi pagkakapantay-pantay na ipinipilit sa atin ng pelikula mula sa simula.
Ang paniwala ng prehistoric ay palaging isang pang-akit para sa mga piling tao – at ang pagkakaroon ng aspetong ito ay isang aparato sa pelikula, nagtatatag kami ng pagkakaiba ng klase nang hindi gumagamit ng pagbubusog sa mga disenyo ng aming mga karakter na may malinaw na mga simbolo na maaaring pumatay sa misteryo ng premise .
Ang kathang-isip na wika na ginamit sa pelikula ay isang koleksyon ng mga tunog ng bibig na ipinares sa mga simbolo ng kamay na binuo kasama ng aming pangunahing aktor at direktor ng kilusan na si Sasa Cabalquinto at kasama si Bruce Venida, na gumaganap bilang aming “feral na tao.” Ang mga tunog ng bibig na ito ay pinayaman sa ibang pagkakataon na may mas maraming texture sa post, kasama ang aking matagal nang tagatunog ng tunog at musika, si Henry Hawks.
Ang indigeneity ay maaaring minsan ay isang nakakalito na domain, at gusto ko kung paano mo ito pinaglalaban upang hindi ito makita bilang hindi totoo o gumaganap kapag nai-render sa screen.
Inilarawan namin ito sa paraang nakita ko itong lumaki sa Cordilleras. Tayong mga katutubo, umiiral tayo katulad ng iba. Ang paggawa ng mga nakakatuwang konsepto ng pelikula habang inilalarawan ang katutubong katawan ay ang aming paninindigan na karapat-dapat kaming maging nakikita tulad ng ginagawa ng iba.
Syempre ang layunin dito ay hindi para ihalo tayo sa homogenic na representasyon ng “Filipino” kundi i-highlight ang pagkakaiba-iba ng ating bansa sa pamamagitan ng pagpapakita na ang mga katutubong kuwento ay kasing kumplikado, hindi perpekto, kontemporaryo, at karapat-dapat na makita bilang mga di-katutubong kuwento. . Isa lamang itong paraan ng pagsasanay sa dekolonisasyon habang iniisip nating gumawa ng mga kuwento sa hinaharap.
May pagkasira ng ikaapat na pader patungo sa dulo ng pelikula. Ano ang nagpasya sa iyo na magkaroon ng pormal na pivot?
Napakagandang sandali kasama ang ating aktor na si Ymeiliza Tabora, na may lahing Igorot at Bisaya din tulad ko. Nakahanap siya ng mga malikhaing paraan kung kailan ito gagawin. Nais kong ang kanyang karakter ay maging thematic na “susi” bilang isang “hati” na pagkakakilanlan na katutubong bata. Sa isang paraan, ang kanyang karakter ay may pag-unawa tungkol sa kung ano ang nasa kabila ng runtime ng pelikula, kaya ang pagsira niya sa pader ay isang pagkilala sa kanyang kamalayan na sumisira sa tela ng “screen.”
Ang pagsira sa pader ay isa ring konsepto na hindi ko kailanman naalis sa aking subconscious mula nang basahin ang tungkol sa Brechtian Theater. Vox ay naglalayong ipaalala sa mga manonood ang mga pakikibaka ng katutubong lupain sa ating bansa — kaya nararapat na isama ang sandaling ito sa pag-edit at basagin ang ilusyon na pader ng melodrama at hayaan ang totoong mundo na sumugod kahit sa isang maikling segundo. Hindi ako sigurado kung ito ay nagsilbi sa ganitong epekto — maaaring ganap na kabaligtaran ang ginawa nito depende sa madla, ngunit gayon pa man, tama lang ang pakiramdam!
Isinara mo ang pelikula sa kantang “Amber” ni Maria BC. Bakit partikular na ang musikang ito, at sa tingin mo, paano nito pinapaganda ang epekto ng mga huling larawan?
Bilang tagahanga ng kanilang musika, lagi akong naiintriga sa kanilang album Spike Field kung saan ang kanta Amber ay mula sa. Ang album ay inspirasyon ng semiotics at wika na nauugnay sa nuclear age. Ang kanilang koneksyon ng musika sa lupa, relasyon ng tao, at nakaraan ay talagang sumasalamin sa mga tema na aming tinutuklas din sa pelikula.
Lalo na sa huling eksena, naging magandang thread ang kanta na naglalabas ng intimacy sa isang cosmic cascade ng land imagery, na ginagawang pareho ang micro at macro emotions. – Rappler.com
